Оп-арт в живописи и искусстве. Картины оптических иллюзий презентация

Оп-арт в живописи и искусстве. Картины оптических иллюзий.

Оптическое искусство или Оп-арт (от английского слова optical art) – направление в художественной живописи второй половины 20 века, отличительными чертами, которого были оптические иллюзии, вызываемые искаженным восприятием форм и фигур расположенных на пространстве. Течение является логическим продолжением одного из направлений модернизма – техницизма. Основоположником считается французский художник Виктор Вазарели. С точки зрения науки первые опыты с оптическими иллюзиями появились в конце 19 века. Профессор Томпсон опубликовал статью в научном журнале, в которой в качестве иллюстрации были изображены две круглые плоскости, создающие ощущение движения. В качестве художественного течения оп-арт получил известность у широкой публики в 1965 году на выставке в Музеи современного искусства в Нью-Йорке. Позже по всему миру с успехом проходили коллективные выставки различных представителей этого художественного течения : группа Зеро (Дюссельдорф), группа Т. (Милан) и много других.

Осенью 1964 года журнал «Тайм» опубликовал материал о новом художественном стиле, основанном на оптических эффектах, назвав это явление «оп-арт». Иногда его называли еще «искусством сетчатки», намекая на оптические иллюзии, создаваемые произведениями. Геометрические художественные композиции словно двигались перед глазами зрителя. Статья в «Тайм» гласила: «Игра на недостатках, ошибках человеческого зрения — это и есть суть нового течения “оптического искусства”. Наравне с поп-артом бунтуя против абстрактного экспрессионизма, оп-арт создает завораживающие, дразнящие воображение картины, основанные на зрительных эффектах, с использованием всех составляющих кошмара офтальмолога». Вдохновленные опытом супрематизма и конструктивизма, художники оп-арта использовали геометрические формы и линии для создания оптических эффектов. Иногда это были только два цвета, черный и белый, или цветовые блоки; часто просто повторяющиеся элементы, размещенные по всему пространству холста с учетом законов перспективы и визуального восприятия — едва заметные, почти неуловимые, или яркие, бросающиеся в глаза. Некоторые из этих абстрактных изображений как будто двигались, если на них пристально смотреть. Большинство произведенийвстилеоп-артоснованонатеории цвета, физических и эмоциональных особенностях восприятия.

Главные представители этого стиля — Бриджет Райли (р. 1931), которая много лет работала в черно-белой технике, добиваясь визуального эффекта движения и нестабильности в своих геометрических композициях; Виктор Вазарели (1906–1997), создававший мозаики с трехмерным эффектом; Рафаэль Сото (1923–2005), чьи объемные картины то ли слегка вибрировали, то ли на самом деле двигались, сбивая с толку зрителя. Работы Сото находятся на стыке кинетического искусства и оп-арта.

Оптические иллюзии основаны на особенности зрительного восприятия человека, это искажение изначально присутствует в механизме созерцания окружающего пространства глазом человека, другими словами изображение присутствует не только в реальности, но и в мозге индивида. Вследствие чего ученные установили, что процесс зрительного восприятия протекает согласно ряду правил, чем успешно воспользовались художники для создания своих работ. Художница Бриджит Райли в картине «Катаракта-3» создает волнообразный эффект. В другой своей работе «Прямая кривизна» из черно-белых линий она выстраивает вращающееся спираль.

Бриджит Райли. «Катаракта-3». 1967 год.

Оп-арт со временем становится глобальным течением. Художники из разных стран создают оптические картины и проводят коллективные выставки. В Италии это Мари Коломбо, в Испании Дуарте Ибаролла, в СССР Вячеслав Колейчук. Позже особенности Оп-арта нашли широкое  применение в промышленной дизайне, афишах, оформительском искусстве. Знаменитые работы в стиле оп-арт Джозеф Альберс . Структурное созвездие. 1913 год. Джозеф Альберс один из основателей оп-арта, немецкий и американский художник, дизайнер, поэт и преподаватель. В этой оптической иллюзии, Альберс  экспериментирует  с восприятием пространства, играя с  расположением линий, он демонстрирует как  может неоднозначно восприниматься  глубина пространства. Черные прямоугольные фигуры пересекаются друг с другом под разными углами, дезориентируя зрительское восприятие, не понятно,  что находится впереди, а что позади.

Бриджет Райли. Пламя.1964 год. Зигзагообразные черные и белые линии создают ощущение кругового вращения. Мозг интерпретирует изображение, чередуя узор, и кажется что круг движется. Сама Райли сказала: "моя работа была разработана на основе эмпирического анализа и синтеза, и я всегда считала, что восприятие является средой, через которую пропускается опыт, полученный в реальной жизни".

ВАЗАРЕЛИ, ВИКТОР (Vasarly, Victor) (наст. фамилия Vsrhelyi, Вашархей) (1908–1997), французский художник и теоретик искусства, основоположник оп-арта. Родился в городе Печ (Венгрия) 9 апреля 1908 в семье зажиточного крестьянина-фермера. С 1925 обучался медицине в Будапеште. Решив стать художником, в 1927–1929 занимался в местных частных академиях, попутно работая в сфере коммерческого дизайна. В 1930 уехал в Париж, где открыл бюро рекламной графики; пользовался с той поры романизированным вариантом своей фамилии в качестве псевдонима.

Перенес опыт плакатиста в свою раннюю черно-белую графику, основанную на оптических эффектах «перетекания» абстрактных форм и узоров в фигурные и наоборот. Активно занимался и живописью такого же рода, где натурные мотивы во все большей степени превращались во фрагменты некоего тотального орнамента, разрушающего традиционные представления о зрительном соотношении переднего и заднего планов. Для периода «Belle-ile» («Прекрасный остров»; 1947–1954) характерны эллиптические конфигурации, мягкие и природные по ритмике, чуть позднее начался отчасти параллельный «Кристаллический период» (1948–1960) с его более строгим геометризмом. Однако, в отличие от представителей конструктивизма, его интересовала не столько геометрическая структура произведения как такового, сколько визуальное поле между произведением и глазом. Это поле у него стало воистину игровым, порождая бесконечные пространственные «обманки». В 1950-е годы Вазарели начал придавать своим образам и реальную пластическую трехмерность, создавая рельефные цветные композиции, а также скульптуры в виде прозрачных подсвеченных ящиков со стеклянными пластинами внутри. В любом случае более всего его интересовала чисто иллюзорная пластика, тот оптический «третий мир», что обретает живой кинетизм в игре контрастных форм и цветов. Посвятил этому «третьему миру» Желтый манифест, названный так по цвету бумаги, на которой он был напечатан (1955), – манифест, ставший программой оп-арта.

Отныне его картины и графика стали «пластическими единицами» («unites plastiques»), которые уже можно было продолжать разнообразно комбинировать и без участия автора. Авторская поэтика играла свою роль, – например в мерцающих Космических структурах конца 1950-х годов (Метагалактика, 1959, галерея Д.Рене, Париж; и др.), в большинстве своем названных именами созвездий, – но в целом личный стиль Вазарели становился все более массовым, тиражным, переходя в руки помощников и потребителей (как Вазарели подчеркивал в теоретических текстах, такого рода комбинаторика и тиражность лишь дополнительно обогащают произведение). Образы мастера не только воплощались в виде архитектурных сооружений и монументального декора (композиция Пара-виста на полу Факультета естественных наук в Париже, 1967), не только активно влияли на моду, упаковку и дизайн в целом, в том числе на украшающие новые здания «суперграфику», но и производились в виде коммерческих продуктов (декоративные объекты и детские игрушки). В 1976 в Экс-ан-Прованс, в здании, построенном по проекту самого Вазарели, был открыт фонд его имени. С 1982 музей художника существует в его родном городе. Умер Вазарели в Париже в 1997.

Виктор Вазарели. Duo- 2. 1967 год. Контрастные теплые и холодные оттенки создают неоднозначную иллюзию трехмерной структуры. Они вогнутые или выпуклые? Иллюзия настолько реалистична, что мы забываем, что это всего лишь изображение, а не реальная объемная конструкция.

Хесус Рафаэль Сото. Сфера Парижа. 2000 год. Сото приехал из Венесуэлы во Францию  в 1950 году, был одним из немногих южно-американских художников, которые внесли важный вклад в развитие оп-арта и кинетического искусства. Своей формой работа «Сфера Парижа», кажется, бросает вызов гравитации, и напоминает источник зарождения мира и вселенной. Работа создана из тонких резиновых нитей голубого цвета . Сото начал делать такие работы в середине 1960-х годов, и хотя это произведение было создано через много лет после того ОП-арт движение пошли на спад, оно не теряет свое прилекательности и художественной ценности. А сам художник вызывает уважение за творческое постоянство и преданность оп-арту.

Первоначальной целью оп-арта было обмануть зрение, и художники прилагали усилия, чтобы создать иллюзию движения. Цвета, линии и формы тщательно продумывали и подбирали — не для создания определенного настроения или атмосферы, не для передачи сюжета, но исключительно ради визуального опыта зрителя, ради замысловатых оптических эффектов. Однако не всех художников этого направления интересо- вало одобрение зрителя. Бриджет Райли, к примеру, угрожала судом предпринимателю, посмевшему использовать ее работы для рисунка на ткани. И заявляла, что «коммерциализация и истеричное стремление к сенсационности» угрожают миру искусства. Идеи оп-арта возникали из совершенно разных источников. Вазарели, например, был художником-графиком, и в большинстве его работ очевидна графическая основа. Его картины не смущают зрителя, но восхищают. Живопись Райли выглядит математически точной, хотя сама она утверждает, что всегда работала интуитивно, но аккуратно. Многие из произведений оп-арта сбивают с толку, озадачивают и смущают зрителя. Несмотря на всю абстрактность, порой в этих картинах мелькают узнаваемые элементы — вода, ветер или огонь.

Кинетическое искусство «Кинетический» означает «движущийся». Произведения кинетического искусства действительно подвижны, в отличие от картин оп-арта, движение в которых является просто иллюзией. Кинетические шедевры — это обычно трехмерная конструкция, сооруженная из нескольких деталей, приводимых в движение внутренним или внешним механизмом. В 1950-е и 1960-е, когда развивалось оптическое искусство, некоторые художники начали создавать подвиж- ные скульптуры. Александр Колдер (1898–1976), Джордж Рики (1907–2002) и Жан Тэнгли (1925–1991), работая независимо друг от друга, создавали скульптуры, которые вращались на ветру или переворачи- вались случайным образом, даже разрушались. Пионерами кинетических форм были Дюшан, Габо, некоторые конструктивисты, но действительно популярным это направление стало только в 1960-е. Некоторые из художников-кинети- стов, как, например, Сото, занима- лись параллельно оп-артом, а многие кинетические произведения состоят из простых геометрических форм.

Хэппенинг В конце 1950-х и начале 1960-х появились первые «хэппенинги». Эти представления художников позднее назовут «искусством перформанса». Хэппенинги иногда рассматривают как часть кинетического искусства, наследие дада и сюрреализма. Само название этому явлению дал Аллан Капров (1927–2006) в объявлении о собственном представлении 1959 года в Нью-Йорке: «18 хэппенингов в 6 частях». Хэппенинг предполагает участие зрителя и, хотя планируется заранее, может развиваться как импровизация и происходить практически в любом месте.